MILLENIUM 1 "LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES"

“Los hombres que no amaban a las mujeres”, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”, o lo que es lo mismo, “Millennium 1”, “Millennium 2” y “Millennium3”, la ya mítica (más de 10 millones de ejemplares vendidos) trilogía literaria del escritor sueco Stieg Larsson. No hay duda de que estamos ante el fenómeno literario de los últimos tiempos, y es que, los libros del tristemente desaparecido (falleció tras entregar el manuscrito de “Millennium 3”) Larsson, no se leen, simplemente se devoran. Su nuevo aire dentro de la novela negra, resucita un género al que regala dos personajes tremendamente poderosos. El sagaz periodista Mikael Blomkvist y la peculiar y singular investigadora, Lisbeth Salander, sin duda, el gran acierto de Larsson en su espectacular trilogía. Lisbeth Salander, es una investigadora privada nada usual, incontrolable, socialmente inadaptada, tatuada y llena de piercings, y con extraordinarias e insólitas cualidades como su memoria fotográfica y su destreza informática, pero sobre todo, es un misterio en sí mismo que engancha al lector desde el momento inicial.

Con todo lo relatado anteriormente no cabía duda que la adaptación cinematográfica de las novelas de Larsson se produciría inmediatamente. Si bien uno podía esperar que Hollywood fuera lo suficientemente listo para ver el incalculable filón que supone la trilogía, parece ser que la cuna del cine americano sigue enfrascada en remakes, superhéroes y demás refritos, ya que sino, uno no puede entender cómo ha permitido que la empresa de llevar a cabo dicha adaptación al séptimo arte, haya recaído 100% en manos suecas (hecho del que tremendamente me alegro). Productora sueca, director sueco (Niels Arden Oplev), y por supuesto actores suecos (Michael Nyqvist y Noomi Rapace en el papel de Blomkvist y Salander respectivamente) para la realización de “Män som katar kvinnor”- “Los hombres que no amaban las mujeres”, la primera de las tres películas que adaptarán por completo las novelas del escritor sueco, y que narra la historia de Harriet Vanger, desaparecida hace 36 años durante un carnaval de verano en la isla sueca Hedeby, propiedad prácticamente exclusiva de la poderosa familia Vanger. A pesar del despliegue policial, no se encontró rastro de la muchacha de 16 años. ¿Se escapó? ¿Fue secuestrada? ¿Asesinada? Nadie lo sabe: el caso está cerrado, los detalles olvidados.

 

Dicho esto, la cinta posee a partes iguales grandes logros y algunas decepciones. Entre los aciertos, a destacar la contratación de Noomi Rapace, ya que sencillamente borda el papel de Salander (clave del presumible éxito del film). Y por supuesto, es digno de agradecer también, el ritmo acertado que infunde a los 150 minutos de metraje. Por otra parte, entre los aspectos negativos, sin duda, destaca el hecho de que los que acudan vírgenes a la sala, serán los que más disfruten de la historia. Las excesivas licencias a la hora de adaptar detalles minúsculos de la novela por parte del director (a veces incluso ridículas),  y sobre todo, la imposibilidad de resumir y concentrar el poderío de las más de 650 páginas en algo más de dos horas, hacen una vez más (como en tantas ocasiones en la historia del séptimo arte) que el producto original (el libro),  gane por goleada al producto imitación (la película).

Nos vemos en el cine.

Un abrazo

 

Angeles y Demonios BY CH_

 

De nuevo he vuelto al cine a buscar algo de esparcimiento en esta ajetreada vida que traigo últimamente. La elección era fácil, la película que parecía más entretenida en cartelera era "Ángeles y demonios", película que continúa narrando las aventuras del profesor Langdom después del "Código Da Vinci". No soy un gran defensor de aquella película pero si he de decir que me dio lo que buscaba un entretenimiento que me ayudará a desconectar de todo, algo que siempre busco cuando acudo a la sala de cine. En esta ocasión puedo decir lo mismo, "Ángeles y Demonios" es un producto al servicio del espectador menos exigente, el cual no busca guiones con profundidad, ni personajes con carácter, algo que en ocasiones se agradece en una película.

El profesor de simbología religiosa Robert Langdon se ve pronto sumido en la búsqueda de secretos de una antigua secta satánica denominada Illuminati y por la búsqueda del arma más mortífera de la humanidad (antimateria) que estos han puesto en el Vaticano. Con unas pocas horas para evitar el desastre, unos misteriosos ambigramas y con un asesino que siempre lleva la delantera, Langdon y una científica italiana se ponen en una carrera contra el reloj... (FILMAFFINITY)

Ron Howard es un director sencillo, nunca se ha complicado mucho la vida, ha hecho siempre un tipo de cine en el que no arriesga y parece que le hace más caso a los productores y jefes de estudios que a su propio criterio a la hora de dirigir. Esto podría ser un defecto, pero vaya, en estas películas con una trama tan lineal, ¿para que realizar un montaje complicado o utilizar recursos que confundan al espectador?. En "Ángeles y Demonios" se va al grano desde el principio, y yo que lo agradezco. Aún así, y siendo mejor que "El Código Da Vinci" en muchos aspectos, me parece un refrito de lo que ya se hizo con anterioridad en esta película. Seguir al profesor LangdomBond a lo largo de la película intentando evitar que ocurra lo peor gracias a esa "facilidad" para descifrar símbolos es algo que ya no sorprende, pero claro así era en el libro y para que cambiar nada, estos libros estaban escritos para ser rodados como películas desde un principio. Los pobres Tom Hanks y Ewan McGregor no pueden hacer nada con sus papeles, no dan para más, no permiten un mayor lucimiento por lo que no se les puede recriminar una mala actuación. Sin duda se ha convertido en una película más para pasar el rato, disfrutar durante su duración e irse para casa a empezar con otra cosa olvidándola al poco tiempo.

Lo mejor: Lo entretenida que es, siempre y cuando se sepa que es lo que se va a ver.

Lo peor: Lo poco original con respecto a la anterior. Imposible evitar comparaciones. La banda sonora copiada de "El Código".

 

Star Trek (2009) BY CH_

El otro día fui al cine como acompañante de un trekkie a visionar el nuevo lavado de cara que el director J.J. Abrams hace de una saga que parecía muerta. Lo mismo hizo con "Misión Imposible" y no le salió nada mal, así que lo tenía bastante fácil para salir airoso de la resurrección de la saga de Ciencia Ficción más larga de la historia del cine. 11 son las películas para cine que hay de "Star Trek" y con esta última han intentado una nueva vuelta de tuerca con la que, sin olvidar todas las anteriores, puedan iniciar una nueva trilogía o saga a partir de cero, gracias a los viajes temporales que tanto le gustan a J.J.

Todo está preparado para el viaje inaugural de la nave más moderna que jamás se haya creado: la USS Empresa. Su joven tripulación tiene una importante misión: encontrar una manera de detener al malvado Nero (Eric Bana), que movido por la venganza amenaza a toda la humanidad. Pero el destino de la galaxia está en manos de dos jóvenes rivales que nacieron en mundos diferentes, James T. Kirk y Spock.(Filmaffinity)

He de decir primero que no he visto nada de Star Trek, ni series ni películas, pero llegados a este momento en el que Star Wars deja bastante que desear (sobre todo por la nueva trilogía) no era mala idea empezar a ver una saga que parece va ha resurgir. Y vaya si resurge, la pericia en la dirección de J.J. ha ayudado a crear un entretenido producto donde aúna espectáculo, acción y según el trekki que me acompañaba, sentimentalismo. Aunque el guión no es una maravilla, me pareció inteligente el reinicio de una nueva tripulación sin olvidar que todo lo que ha pasado hasta ahora en el universo Star Trek puede permanecer como inalterado, para algunos es un error pero para los que no sabemos nada de este es una buena manera de empezar a ver las películas sin tener que ver nada de lo anterior. Es un comienzo simple de una saga que la paramount estoy seguro volverá a explotar al máximo. Con respecto al reparto todos y cada uno de ellos cumplen con su papel, pero por ser el más goloso, es Zackary Quinto quién con su Spock sobresale al resto. Tiene más expresión con dos levantamientos de cejas que algunos actores que mejor no nombraré. Para los que disfrutéis de la ciencia ficción este es un producto que no podéis dejar pasar, para los que no, al menos disfrutareis de la acción que ahora acompaña a estas trepidantes películas y de los efectos y diseño que inundan la pantalla.

Los trekkies, según parece, quedareis encantados y no descarto en convertirme en uno de vosotros, aunque a mi edad parece algo más costoso de lo que hubiera sido unos años atrás.

Lo mejor: Los primeros minutos, donde la montaña rusa empieza desde lo más alto.

Lo peor: Que esa montaña rusa tenga tantos altibajos a lo largo del metraje.

 

RUDO Y CURSI

Con la cartelera de Huelva, no había dudas, entre fugas de cerebros, coches tuneados, niñas multimillonarias americanas y adolescentes, la pareja formada por Diego Luna y Gael García Bernal parecía una apuesta segura.

Y no decepcionó, sin ser una maravilla, el debut de Carlos Cuarón (hermano de Alfonso) tras las cámaras (con la producción de del Toro, Iñárritu y el propio Alfonco Cuaron, !!!que vivan los amiguetes¡¡¡ ) se salva con un producto sencillo muy bien elaborado. Las risas están aseguradas en esta historia que gira entorno a dos hermanos, Beto-rudo (interpretado por Diego Luna), quien quiere ser futbolista, y Toto-cursi (Gael García), que sueña con ser cantante de música norteña. Ambos desean llevar a cabo sus deseos para tener una mejor condición económica. Sin embargo, la rivalidad típica entre hermanos los pone a prueba.

El binomio Luna-Bernal sigue dando unos resultados magníficos, contando con ellos como protagonistas, es raro que el film al menos no entretenga, yo personalmente he disfrutado con esta historia de hermanos, historia de perdedores, historia de los que desean alcanzar el clásico sueño americano (mexicano en esta ocasión). Si con todo, no encontráis suficientes razones para verla, quizá el videoclip (os lo pongo debajo) que se marca Cursi- Gael García Bernal, adaptando al castellano la mítica canción "I want you to want me' de Cheap Trick, os acabe por animar,  sencillamente ANTOLÓGICO.

Nos vemos en el cine

Un abrazo

París, París BY CH_

Parece que esta vez sí, parece que por una vez después de varios intentos he acertado con la película que he visionado en el cine. Me he alejado del tumulto, de las palomitas y de las grandes producciones americanas para saborear de cerca un plato más cercano a nuestro país, un plato francés. "París, París" es una película cercana, con personajes sencillos y muy caracterizados que expone historia sencilla y al mismo tiempo muy edulcorada. Con una sencilla premisa de segundas oportunidades y de esperanza en un momento difícil de la historia de la ciudad parisina.

Primavera de 1936. En un distrito de clase obrera en el norte de París, está el teatro Chansonia. El cierre del Chansonia deja a Pigoil (Gérard Jugnot), Milou (Clovis Cornillac) y Jacky (Kad Merad) en el paro. Con el apoyo de los vecinos, los tres amigos deciden tomar las riendas de su propio destino: intentan forzar su suerte y ocupar el Chansonia para producir el musical de éxito que les permita comprar el local. Cada uno de ellos tiene sus propios motivos para embarcarse en este proyecto, pero todos comparten una misma meta: poner nuevamente en orden sus vidas. Sin embargo, la empresa no va a ser fácil. (FILMAFFINITY)

Todos los personajes tienen un carácter tan marcado que resultan incluso cómicos, eso ayuda a seguir parte de la historia pero no consiguen llegar al público y en esos momentos lacrimógenos más que arrancarnos unas lágrimas consiguen sacar poco más que indiferencia. Una pena pues la película es entretenida y los momentos musicales sobresalen en ocasiones con respecto al conjunto del film. Puede que estos sobresalgan gracias al nuevo descubrimiento del cine francés,  Nora Arnezeder la cual con su belleza y voz encandila al espectador. Otra cosa a resaltar es la ambientación de París, parece que hecho en un solo decorado de grandes dimensiones donde poder hacer las secuencias que van desde la calle hasta el patio de butacas del teatro. Recomendable para los amantes del cine dramático francés el cual siempre mezclan con canciones y ligeros toques de humor.

Lo mejor: El regusto de a ver visto un buen producto dentro de la cartelera actual.

Lo peor: El poco regusto que deja después de salir y la facilidad con que se olvida.

DÉJAME ENTRAR

Si eres un amante de las películas de terror, te decepcionará. Si no soportas ninguna referencia o elemento fantástico en el guión de una película, no te gustará (cómo a mi amigo Miguel). Solamente si eres abierto de mente frente al séptimo arte, podrás disfrutar  de esta maravilla llamada "Déjame Entrar".

La película nos sitúa ante Oskar, un joven tímido de 12 años, aterrorizado por unos matones que se hace amigo de Eli, una misteriosa vecina, cuya llegada coincide con una serie de misteriosas muertes. A pesar de que el joven piensa que ella es un vampiro, intenta que su amistad esté por encima de su miedo.

Después de arrasar en los festivales fantásticos de medio mundo, no resultó elegida para la lucha final por la estatuilla a la mejor película extranjera, hecho que sencillamente me parece inexpiclable. Tampoco puedo entender que otra película que mezcla el sentimiento universal ("All you need is love") y a los nosferatu (la mala, horrible e inaguantable Crepúsculo) arrase en España y en el mundo entero, y que "Dejame Entrar" se distribuya con apenas 10 copias en España.

Tengo que dejar claro que el tema de los vampiros nos es más que una excusa del director para tratar temas atemporales cómo el amor, el miedo, la soledad, el vacío o la amistad. No os quedéis en los superficial, en lo gore, en la sangre, poque entonces será misión imposible que os sumergáis en esta historia de amor imperecedera.

Es bella y grotesca, es fría y emocionante, es increíble y cotidiana, es un clásico y se acaba de estrenar, es simplemente una joya.

Nos vemos en el cine,

Un abrazo

Señales del futuro BY CH_

Ayer era un día de esos, un día en que tengo mono de ir al cine y la cartelera no me ofrece nada interesante, por lo menos al horario al que puedo asistir. Por ello, en ocasiones, cometo atrocidades como estas para mi vista, entrar a ver una película por la que no me he interesado pero con la que al menos espero pasar un buen rato desconectando del mundo real. Para eso sirve el cine ¿no?. Craso error. Ayer cometí el error de entrar a ver una película de Nicholas Cage, del actual Nicholas Cage, no del actor de "Leaving las vegas", "Arizona Baby" y si me apuras, incluso el de "La roca". Aquí vuelve a caer en un subproducto sin sentido, de esos que solo la maquinaria de Hollywood sabe hacer como churros y que ni siquiera consigue salvar un director bastante solvente como Alex Proyas.

Año 1959: durante la inauguración de un nuevo colegio, los estudiantes guardan en una cápsula del tiempo varios objetos. Lucinda, una de las niñas, guarda un papel en el que ha escrito extraños números. Cincuenta años después, la cápsula del tiempo es desenterrada y Caleb (Chandler Canterbury), el hijo de John Koestler (Nicolas Cage), un profesor de astronomía viudo, recibe la misteriosa nota de Lucinda. John descubrirá enseguida que esos números esconden predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no. Poco a poco, empezará a darse cuenta de que el descubrimiento no es casual y que él y su familia juegan un papel fundamental en los importantes acontecimientos que están a punto de producirse... (FILMAFFINITY)

Como premisa para una película no parece estar nada mal, incluso podría dar un film dentro del género de catástrofes bastante entretenido pero aquí el guión solo hace que arrastrar al film a un oscuro paseo hacia la perdición del espectador, a que se rían de algunos de los giros y a que bostecemos con algunas de las "espectaculares" escenas de acción. Y es que ni con esas, las escenas de acción son tan artificiales y tan artificiosas que ni siquiera te estremecen en la butaca, y eso que están pensadas para ello, con tanta espectacularidad y muerte…
Por tanto y muy a pesar no voy a entrar en otro tipo de detalles, como la ridícula actuación de Nicholas Cage o de los niños protagonistas, del absurdo final tipo “La calavera de Cristal”…Solo decir que desaconsejo su visión en el cine y sí, algún día de aburrimiento en el sofá del hogar con un gran cuenco de palomitas.

Lo mejor:…

Lo peor: Casi todo lo demás. Y que junto con “Wild Wild West” y “Underworld Evolution” entre en mi categoría personal de “Lo peor que he visto en el cine”.

 

 

RETORNO A HANSALA

Si hace poco os recomendé altamente el visionado de The Visitor (aprovecho para recodárselo a los más rezagados), en esta ocasión y quízá con más fuerza debe casi obligaros a que acudáis al cine a ver "Retorno a Hansala" de la directora Chus Gutiérrez. Una misma realidad (respecto a la cinta americana), el del drama de la inmigración, pero con un punto de vista en el que la sociedad española (y en concreto localidades como Algeciras) es totalmente protagonista.

A comienzos de esta década, en las playas de Rota, aparecieron los cadáveres de once jóvenes inmigrantes marroquíes que buscaban cruzar el estrecho en una patera. Se descubrió por sus ropas que los once muchachos pertenecían a la misma aldea, Hansala. "Retorno a Hansala" pretende recrear aquel suceso visto desde los ojos de dos personajes: Martín, un empresario funerario que pretende hacer negocios con lo ocurrido, y Leila, hermana de uno de los fallecidos. Ambos se embarcarán en la aventura de intentar repatriar el cadáver del muchacho en una furgoneta, donde ambos vivirán una intensa experiencia moral que les llevará a replantearse todas sus creencias.

La cinta se alzó con el premio especial del jurado en la pasada edición de la Seminci, y es que la sencillez y belleza de la cinta hacen de ella una película altamente recomendable. Destacable la fotografía de Kiko de la Rica, con esos paisajes del norte de África, un continente tan cercano y tan lejano a la vez. El dúo protagonista muy solvente, especialmente José Luis García Pérez (que nombre tan poco cinéfilo hijo mío), en el papel de un perdedor al que este retorno a Hansala, servirá para sacudir su mundo, un mundo que desde luego no volverá a ser el mismo. Además el grueso de gente anónima y aldeanos  que aparecen en la cinta, son un toque de autenticidad y acierto por parte de la directora. Desde luego, podéis ir a ver tranquilos Retorno a Hansala porque estoy convencido que la encontraréis muy superior a la media de calidad de las cintas de producción española.

Nos vemos en el cine.

Un abrazo

A ciegas BY CH_

Hace poco he podido ver la última película de Fernando Meirelles, director de la magnífica "Ciudad de Dios". "A ciegas" o en inglés "Blindness", que queda mejor, adapta una novela del autor José Saramago "Ensayo sobre la ceguera". No he leído el libro, ni siquiera había oído hablar de él, pero la premisa que le ofrece a la película me llamaba la atención, así como el director encargado de llevarla a cabo. Pero cuando algo apetece siempre hay un pero.

Una curiosa epidemia de ceguera sacude un país. Las primeras víctimas de este accidente son encerradas en un hospital sin recibir explicaciones ni apoyo. Entre ellas está una mujer que conserva su vista en secreto para poder acompañar a su marido ciego. En el encierro se darán todo tipo de atrocidades y en la calle dominará el caos y el terror... (FILMAFFINITY)

Y es este encierro, el encierro de los primeros afectados, el que más se toca en el film. Es cierto que teniendo ya un grupo de personajes presentados bastante amplio para que presentar más y mostrar otros puntos de vista. Pero creo que habría sido interesante que mostraran también el punto de vista (curiosa expresión hablando de una película de ciegos) de los carceleros, esos soldados que se muestran tan violentos con personas que se han quedado ciegas de imprevisto, el punto de vista de los políticos y dirigentes del país los cuales deciden el primer encierro y el punto de vista del resto de la gente de la calle, los que ya no son encarcelados debido a la ceguera de los carceleros.
Asombrosa es la atmosfera agobiante que el director capta en el lugar de encierro, donde solamente una persona puede ver como están viviendo, entre escombros y sus propios restos bajo un clima de insalubridad. Es este clima el que origina los primeros problemas, con los baños, la alimentación y otras necesidades. Parece que siempre debe existir un líder, útil en ocasiones hasta que se convierte en dictador y pasa por encima del resto. Las actuaciones son correctas, pero es mayor el lucimiento de Julianne Moore, la mujer que conserva la vista y cuida a todos los demás. Aunque el guión no es flojo y resulta superior a la media de lo que podemos ver en cartelera, hay algo que falla dentro de la película. No acaba de llegar al espectador, no nos deja meternos en la historia y eso que el director usa todos los recursos posibles, como por ejemplo cegarnos durante momentos o hacer que veamos desenfocadas ciertas escenas.

No es una película imprescindible pero si una que resulta interesante de ver.

Lo Mejor: La atmosfera y la actuación de Julianne Moore (aunque no de lo mejor de la actriz),

Lo peor: La imposibilidad de conmover al espectador, algo que el director ya hizo con "Ciudad de Dios".

LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA

Lejos de la tierra quemada supone el estreno como director del maravilloso escritor-guinista Guillermo Arriaga. Lo hace trás haber conquistado al mundo con los guiones de Amores Perros, 21 gramos y Babel (junto al director Iñárritu), y el no menos genial Los 3 entierros de Melquiades Estrada. Y vuelve con lo suyo, frontera EEUU-México e historias entrelazadas.

La historia nos sitúa ante Sylvia (Charlize Theron), una bella gerente de restaurante cuyo comportamiento amable, a la vez que profesional, enmascara un tormentoso pasado al que se tiene que enfrentar cuando la visita un extraño desde México. Sylvia se lanza a un viaje por el tiempo y el espacio en el que se conectan unos personajes que luchan por ser felices en sus relaciones; en México, una joven que vive feliz con su padre y su mejor amigo, hasta que un trágico accidente lo cambia todo. En la ciudad fronteriza de Las Cruces, dos adolescentes que luchan por sacar adelante su amor después de la repentina muerte de sus padres. Y un ama de casa que vive en un tráiler en medio de la nada, se embarcará en un affaire que conectará a Sylvia y a los demás haciendo que sus mundos colisionen...

Muy a mi pesar, creo sinceramente que esta historia está por debajo de sus anteriores trabajos, al contrario que en otras ocasiones, enseguida adivinas donde quiere llevarte el bueno de Arriaga, y cuáles son sus interrelaciones en el guión. Aún así, posee una buena dirección, una fotografía adecuada y unas interpretaciones convincentes (bien de nuevo la Theron). Esperaré para ver la nueva película de Gonzalez Iñarritu (protagonizada por Bardem) y comprobar si el dúo tan prolífico formado por estos dos mexicanos, supera con creces a sus trabajos individuales.

Nos vemos en el cine

Un abrazo

LOS ABRAZOS ROTOS

Escribo esta crítica intentando alejarme de las númerosas opiniones y críticas ya oídas  y leídas por mí de la última cinta del director manchego. Los abrazos rotos supone la vuelta tras la exitosa Volver de una pareja, un dúo de moda, el formado por el director Pedro Almodóvar y por la reciente ganadora del oscar, Penelope Cruz.

El argumento nos siúta ante un hombre (Lluís Homar) que escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a Lena (Penélope Cruz), la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote que lo dejó ciego. Este hombre usa dos nombres, Harry Caine, lúdico seudónimo bajo el que firma sus trabajos literarios, relatos y guiones y Mateo Blanco, su nombre de pila real, con el que vive y firma las películas que dirige. En la actualidad, Harry Caine vive gracias a los guiones que escribe y a la ayuda de su antigua y fiel directora de producción, Judit García (Blanca Portillo), y de Diego (Tamar Novas), el hijo de ésta, secretario, mecanógrafo y lazarillo. Desde que decidiera vivir y contar historias, Harry es un ciego activo y atractivo que ha desarrollado todos sus otros sentidos para disfrutar de la vida, a base de ironía y una amnesia autoinducida. Ha borrado de su biografía toda sombra de su primera identidad, Mateo Blanco. La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amour fou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa...

Lo voy a resumir todo en 5 puntos. Lo primero que tengo que decir, es que la historia entretiene, aunque dura algo más de dos horas, en ningún momento se me hizo pesada, es más el guión me fascina bastante, es tal y cómo resaltó del director manchego, un homenaje al oficio del séptimo arte. Lo segundo, otra vez a resaltar, es su música, de nuevo un genial Alberto Iglesias. Lo tercero, no hay duda de que Pedro Almodóvar sabe lo que hace con la cámara, nos regala 4-5 planos verdaderamente antológicos. Lo cuarto, las interpretaciones más que correctas, a veces brillantes (portillo y cruz sobre todo). Y por último, que pese a todo lo dicho anteriormente, la película te deja una sensación fría, cómo que tenía en su mano todos los ingredientes y el plato no ha sido brillante. Puede ser por lo mucho a esperar, esta claro que esta película es una ópera prima y es una obra maestra, pero quizá todos deseamos que Almodóvar se vaya superando y no siempre es posible. Aún así, recomiento su visionado por una sencilla razón, no es un bodrio, y así te asegurarás tu propia opinión, que al fin y al cabo, es la más importante.

Nos vemos en el cine

Un abrazo

 

THE VISITOR

Para mí (debido a mi obsesión cinéfila) hay pocas cosas comparadas con  la sensación que te deja de vez en cuando una cinta a la salida del cine. No es porque sea un clásico imperecedero (ahí la sensación es de no poder dejar de pensar y analizar el film una y otra vez), sino que me pasa normalmente con cintas sencillas, honestas y con una energía palpable.

En esta ocasión la cinta que ha producido esa sensación en mí, ha sido The Visitor, escrita y dirigida por Thomas McCarthy, y protagonizada por un estupendo Richard Jonkins (nominado al actor principal en la pasada edición de los Oscar) y una maravillosa Hiam Abass (protagonista de la muy recomendable y analizada en un post de este blog, Los Limoneros).

La cinta nos sitúa ante Walter Vale (Richard Jenkins), un profesor universitario de Connecticut que viaja a Nueva York, y se ve envuelto en la vida de una joven pareja inmigrante que descubre viviendo en su apartamento de Manhattan, un piso que apenas visita. Tarek (Haaz Sleiman), un músico Sirio, y Zainab (Danai Gurira), su novia senegalesa, viven allí porque alguien les ha alquilado el apartamento, haciéndose pasar por el dueño.

Y a partir de ahí el mundo preestablecido de Walter se tambalea hasta tal punto, que jamás vuelve a la posición inicial del bucle en el que se había situado. Atención a la importancia del djembe (instrumento de percusión) en la película, tanto como parte de la banda sonora como en la evolución del personaje de Walter.

Sencilla, de buenas interpretaciones y con un alto  contenido de crítica social hacia la nefasta política de inmigración americana, The Visitor hará las delicias de aquellos que busquen un soplo de aire fresco en la cartalera.

Nos vemos en el cine.

Un abrazo

R.A.F. Fracción del ejercito rojo

Y menuda semana, el viernes se estrenaron 4 películas dignas de mención y atención. En primer lugar la que hoy nos interesa, R.A.F. Fracción del ejército rojo, pero además A Ciegas (dirigida por el gran Fernando Mireilles), Lejos de la tierra quemada (con el debut tras las cámaras de ni más ni menos que Guillermo Arriaga) y The Visitor (una de las joyas y sorpresas de la temporada). Todas se irán comentando en el blog, aunque A Ciegas esperare a leerme el best-seller de Saramago. Y ojo, que pasado mañana llega la esperadísima (al menos por mí) Los Abrazos Rotos de nuestro gran Pedro Almodóvar.

Vamos con R.A.F. fracción del ejército rojo, dirigida por Uli Edel y escrita por Bernd Eichinger basándose en un libro de Stefan Aust. R..A.F. nos sitúa ante los crímenes cometidos durante casi tres décadas por la banda terrorista "Fracción del Ejército Rojo", más conocida por "La banda de Baader Meinhof" -por el apellido de sus dos líderes-. Fundada a finales de los 60 como un movimiento armado antisistema, la banda asesinó, entre otros, a Hans-Martin Schleyer, jefe de la patronal y Siegfried Buback, fiscal general. Detenidos por la policía en 1972, el 18 de octubre de 1977 los cuatro miembros fundadores de la Fracción del Ejército Rojo aparecieron muertos en una celda de alta seguridad en la prisión de Sttuttgart.

La película resalta en dos aspectos, el primero es su alto contenido histórico, lo que la convierte prácticamente en una crónica de la época. Y en segundo lugar, el reparto, tremendamente efectivo cada uno de los actores en sus respectivas interpretaciones. No comparto las críticas de algunos hacia la banalización de los crímenes por parde del director Uli Edel, ya que considero en mi humilde opinión, que lo que consigue es que entendamos los motivos de una generación que convulsionó el mundo (y no solamente en Alemania, por citar dos ejemplos más, Paris y Praga), pero que a su vez condenemos enérgicamente los métodos utilizados. Ya que dichos métodos provocan la pérdida de la razón y lo más triste, ponerse a la misma y exacta altura que sus enemigos, los autores de las masacres acometidas contra la población civil de Vietnam y contra el pueblo palestino.

Con una duración algo excesiva (sobre todo la última media hora) pero con un ritmo vivo que conlleva que el metraje se digiera adecuadamente, R.A.F. Fracción del ejército rojo es una oportunidad única para que los más jóvenes analicemos unas décadas tan cercanas e inexplicables (para bien y para mal) como fueron los 60 y 70. Recomendable.

Nos vemos en el cine.

Un abrazo

The Code BY CH_

No puedo, ni debo, entretenerme mucho en esta película. Ni siquiera se porque la comento en el blog, ni siquiera se porque la he visto. Pero ya que yo he cometido el error, al menos avisar a otros para no cometer el mismo. "The Code" reune a dos actores que cuando eligen mal un proyecto lo eligen de verdad, Banderas hacía tiempo que no se le veía por la salas de cines y ha vuelto con otro proyecto que le deja a la altura del betún y en el que solamente se dedica a poner las caras de brutote y macho hispano con las que triunfó en "Desperado" y "La máscara del Zorro". Morgan Freema, es gran actor que parece que ultimamente solo sabe actuar a las ordenes de Clint "Dios te salve" Eastwood, ha hecho lo mismo que otros grandes, venderse y vender su nombre a guiones pobres que le aporten a él algo de dinero ya que sino es así no lo entiendo.

Keith Ripley (Morgan Freeman) es un ladrón de la vieja escuela. Es frío, calculador y trabaja según el "Código" de los ladrones, un código cuyas reglas son: realizar el encargo, cubrir al compañero, y nunca jamás colaborar con la policía. Gabriel Martín (Antonio Banderas) es joven y apasionado, y además se conoce las calles de Nueva York como la palma de la mano, aunque en el fondo es un ladrón de poca monta al que la vida le ha tratado mal. Ripley pedirá ayuda a Gabriel para su último gran golpe: el robo de dos Huevos de Fabergé únicos que jamás han sido expuestos y que están custodiados con los más sofisticados sistemas de seguridad en la caja fuerte de una corporación rusa. Ripley los necesita para saldar una deuda con su antiguo socio, Petrovitch, un mafioso ruso que no dudará en acabar con él si no le consigue las dos excepcionales piezas... (FILMAFFINITY)

El guión es un auténtico rompecabezas demasiado complejo para la historia tan sencilla que se trae entre manos. La dirección deja que escenas en las que se podrían haber lucido y darle más interes a la película pasen desapercibidas y se centran en otras que no aportan nada a la historia, pero en esto tambíen tienen culpa los montadores, en ocasiones pienso que los que hacen los trailers deberían montar la película entera. No aportan nada nuevo al subgénero de robos con la típica traición y el típico buen rollo entre estos después de toda la parafernalia del robo imposible. Como no, también está la historia de amor que se forja a los cinco minutos de haberse conocido y por la que alguien dejaria todo el dinero del mundo, mensaje bonito pero sin mucho sentido.

Lo mejor: Como siempre en estos desaguisados, Morgan Freeman pero por muy poco.

Lo peor: El disparate de guión y Antonio Banderas, el cual se está cargando, aún más, su carrera.

 

Underworl: La rebelión de los licantropos BY CH_

 

Finalizada la temporada de las películas creadas para arrasar en los premios, a las que los cines tan mal tratan por no ser en ocasiones todo lo rentables que les gustaría (véase "EL luchador", una semana en cartel en mi ciudad), llegan ahora las primeras películas con intención de hacer "el agosto" en esta época de transición entre el cine de calidad de principio de año y los taquillazos veraniegos. Esta que me ocupa es una de ellas, y encima una continuación de una saga que no daba más de si desde la primera película. Tengo que decir que siento especial debilidad por el género fantástico con el que disfruto y el que en ocasiones me da agradables sorpresas, algo que no pasa desde "El señor de los anillos". "Underworld: la rebelión de los licántropos", cierra la trilogía inaugurada en el 2003 con, ohh originalidad en los títulos "Underworld" y su secuela "Underworl evolution". La primera aunque sin más pretensión que entretener fue bien acogida por el público gracias a mezclar a las dos razas fantásticas por excelencia y a tener a Kate Beckinsale embutida en cuero durante toda la película como principal reclamo. La segunda parte, ni entraré en detalles. Esta tercera parte, mejora algunos aspectos de la segunda parte (si, he visto las tres), como por ejemplo las luchas de espada y la presentación de personajes algo innecesario en estas películas que deben ir al mondongo desde un principio.

Una enemistad a muerte de siglos estalla entre dos tribus inmortales en Underworld: La rebelión de los Licántropos. La tercera película de la saga épica de Underworld retrocede en el tiempo y cuenta el origen del conflicto entre los aristocráticos vampiros, conocidos como los “Death Dealers”, y los salvajes licántropos, una línea de feroces hombres lobos. Tercera entrega de la popular saga Underworld, centrada en el conflicto existente entre los vampiros y los hombres lobo. (FILMAFFINITY)

Creo que nada de lo que cuentan en esta parte es nuevo para los "fans" que pueda tener esta saga, ya que gracias a los flashbacks de la primera y segunda parte la historia era ya por todos conocida. Lo único que han hecho a sido ampliarla con más detalles y algo más de sangre de ambas especies. Es como la historia de "Romeo y Julieta" en versión vampírica, dos familias enemistadas que no se pueden ni ver y que se juntan por dos miembros de cada una de estas. Aquí no mueren ambos, y esta es una de las ventajas de este film al saberse en final, ya contado en la primera película, pueden ir al grano de la batalla y la sangre sin importarles mucho más la historia. Las actuaciones del trío protagonista, no hay mucho que decir, se dedican a poner caras de miedo y asco y dejar que el maquillaje y las lentillas azules hagan el resto. Sigo sin entender como Billy Nighy y Michael Sheen, con la calidad que me parece que tienen, siguen haciendo bodrios de estas características. Bueno no mucho más que decir, película para los amantes del género fantástico sin excepción y para pasar un entretenido rato antes o después de una aburrida tarde de estudio, como yo.

Lo mejor: La dosis de "desconecta del mundo real" que ofrece.

Lo peor: No tiene nada original que mostrar y eso en la fantasía deja mucho que desear.

 

 

Gran Torino BY CH_

 

Gran Torino, Gran obra, Gran Eastwood. He de decir que adoro a Clint Eastwood como director, puede que no predique mucho acerca de esta faceta, pero en “Gran Torino” es la faceta de actor la que voy a resaltar. El papel que realiza le viene como un guante, su curtida cara le da al personaje la expresividad que necesita en esta ocasión, la de un anciano, ex militar y racista que se ve en su barrio de toda la vida rodeado por aquellos con los que combatió en la guerra de Corea.

Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un veterano de la guerra de Corea, trabajador jubilado del sector del automóvil. Su máxima pasión es cuidar de su más preciado tesoro: un coche Gran Torino de 1972. Inflexible y con una voluntad de hierro, Walt vive en un mundo en perpetua evolución, pero las circunstancias harán que se vea obligado, junto a sus vecinos inmigrantes, a enfrentarse a sus antiguos prejuicios. (FILMAFFINITY)

El tratamiento hacia los sentimientos del personaje central, también es algo que el Tito Clint ha tratado con una especial atención. Desde el principio podemos ver los fuertes prejuicios que envuelven al personaje y que a raíz de un violento hecho empiezan a tornar en amabilidad suma hacia aquellos personajes por los que antes sentía solamente repulsa.  Eastwood se toma todas sus películas como obras personales y por ello le salen las películas tan redondas como le salen, en esta ocasión es de agradecer que se centre en la parte no violenta de la historia a lo largo de todo el metraje, que nos muestre a los personajes, como se conocen, como crecen juntos (estupenda la escena donde enseña al pequeño Tao a hablar como un hombre).  Todos y cada uno de los personajes cumplen, ninguno es realmente conocido, pero Eastwood es un director de actores y saca el máximo partido de todos ellos aunque los haya sacado de una obra escolar. Pero sin duda alguna él es el rey de la función, el talento que muestra en esta película hace  que solamente pueda pedirle que no se retire de la interpretación como dice que va a hacer después de esta gran obra. “Gran Torino” es la gran elección de esta semana para asistir a la oscura sala del cine.

Lo mejor: Todo, a resaltar la interpretación “malas pulgas” de Clint Eastwood.

Lo peor: Pocas veces lo pondré, pero creo que nada.

 

 

 

PRIMER ANIVERSARIO CINEMAFOL, ¡CUMPLIMOS 1 AÑO!

Bueno, pues después de todo, ya llevamos un año con esta aventura de CINEMAFOL, que nació para que vosotros (la mayoría amigos y amigas) pudierais tener una referencia a consultar antes de acudir a la gran pantalla. En medio del camino se unió mi gran amigo Carlos Heredero (es decir by CH), para analizar aquellas películas que o por falta de tiempo, o gustos diferentes, no he podido comentaros. Por tanto, al igual que este blog ahora es tan mío como de Carlos, os animo a que sigáis participando en él, y si no participáis, y simplemente lo observáis con la actitud de un buen vouayer, no dejéis de hacerlo.

 

En total han sido 88 películas a lo largo del año las comentadas, no voy a hacer una divagación de las mejores o de las peores, simplemente espero que sus comentarios os hayan permitido dilucidar que película era la mejor para acudir al cine, ya sea con tu pareja, con tus amigos, o en la más absoluta soledad. Un viernes noche, un domingo aburrido, un día de diario o una sesión golfa.

 

Sin más, como siempre digo, nos vemos en el cine, con su cola de espera, su día del espectador, sus butacas, su olor a palomitas, sus trailers de películas (en los que hasta la más mala parece una obra maestra) , su anuncio de movierecord, sus luces apagadas, pero eso sí, no dejéis que nunca lo hagan del todo,  porque EL CINE, COMO PARTE DE LA CULTURA, NO DEBE MORIR.

Un abrazo

 

 

1. Lo mejor de mí.
2. This is England.
3. La Cuadrilla.
4. Los Falsificadores.
5. Como la vida misma.
6. Al Otro lado.
7. La Noche es nuestra.
8. Contra la Pared.
9. El viento que agita la cebada.
10. Buda explotó por vergüenza.
11. La familia savages.
12. La banda nos visita.
13. La edad de la ignorancia.
14. Todos estamos invidatos.
15. Elegy.
16. Ocho citas.
17. Cobardes.
18. 3 días.
19. Shine a Light.
20. Casual Day.
21. Antes que el diablo sepa que has muerto.
22. Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal.
23. Flores rotas.
24. Los perros dormidos mienten.
25. Aritmética emocional.
26. El Incidente.
27. El silencio antes de Bach.
28. Caos Calmo.
29. Los cronocrímentes.
30. Funny games U.S.
31. Kung-Fu Panda.
32. Gente de mala calidad.
33. Escondidos en Brujas.
34. Tropa de élite.
35. Dejad de quererme.
36. Wall-e.
37. El Caballero Oscuro.
38. La Momia 3.
39. Hellboy 2.
40. Los Girasoles ciegos.
41. Hace mucho que te quiero.
42. Che, el argentino.
43. Wanted.
44. El rey de la montaña.
45. Vicky Cristina Barcelona.
46. Cuatro vidas.
47. Tropic Thunder.
48. El niño con el pijama de rayas.
49. U2 3D.
50. Los limoneros.
51. Quemar después de leer.
52. La conspiración del pánico.
53. Diario de una ninfómana.
54. Solo quiero caminar.
55. Red de mentiras.
56. Gomorra.
57. Quantum of solace.
58. Bolt.
59. Crepúsculo.
60. La Ola.
61. My blueberry nights.
62. El Intercambio.
63. ONCE.
64. Il Divo.
65. Vacaciones en Roma.
66. Mi nombre es Harvey Milk.
67. Rocknrolla.
68. Las Horas del verano.
69. Bienvenidos al norte.
70. Resistencia.
71. La clase.
72. Siete almas.
73. Revolutionary  Road.
74. La Duda.
75. Transporter 3.
76. Romanzo Criminale.
77. Valkiria.
78. Australia.
79. Venganza.
80. Los 3 entierros de Melquíades Estrada.
81. El curioso caso de Benjamín Button.
82. El tren de las 3:10 a Yuma.
83. El lector.
84. Slumdog Millionaire.
85. Buscando un beso a medianoche.
86. El Luchador.
87. Che, Guerrilla.
88. Vals con bashir.

 

VALS CON BASHIR

Impresionante y desgarradora la aventura autobiográfica del realizador israelí Ari Folman, seleccionada por Israel para la lucha por los Oscars (se quedó a un paso de coseguirlo). Rodada como un documental animado, nos sitúa ante la matanza de refugiados palestinos en Sabra y Chatila (Líbano) en 1982. Una noche, en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche, el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas...

El título hace referencia a una escena de la película en la que  un soldado israelí comienza a bailar-disparar (como si fuera un vals) indiscriminadamente hacia unas paredes llenas de posters de Bashir Gemayel, el primer ministro del Líbano asesinado en 1982, y que sirvió de excusa a los falangistas cristianos para acamoter semejante barbarie con la ayuda inestimable de ese hijo de puta llamado Ariel Sharon (no hace falta remontarse a Hitler pa encontrar a uno parecido y encima judío).

La fuerza visual del documental habla por si mismo, por ello, creo que Folman acertó plenamente al elegir el formato animado para poder plasmar en la gran pantalla lo que el tenía en su cabeza. Respecto a la música, de 10, en cada una de las ocasiones aciertan plenamente con la elección. No dejéis de verla, sería un gran error, aunque sea para entender que los conflictos bélicos desgraciadamente vienen de lejos, muy de lejos.

Nos vemos en el cine.

Un abrazo

CHE, GUERRILLA

Tal y como acabaron decidiendo los productores, muy a mi pesar (y seguramente al de muchos como yo), la otra mitad (que no segunda parte) de la biografía que Steven Soderbergh ha realizado sobre la figura del revolucionario Ernesto Che Guevara, fue estrenada el pasado viernes en los cines españoles. Ya comenté el gravísimo error que suponía este hecho en el post del blog dedicado a Che, El Argentino, por tanto no incidiré más en esta idea, que creo firmemente ha quedado suficientemente clara.
La otra mitad de la película nos sitúa en el momento que el Che abandona Cuba (dejando atrás una vida que hubiera sido realmente cómoda) para emprender la revolución armada en el corazón de Sudamérica (Bolivia), llevado por las mismas ideas que provocaron dicha revolución en la isla (hambre y miseria entre las capas más bajas de la sociedad).
La unión, el binomio formado por la caracterización de la persona, la actuación y el actor, resultan de una fuerza dignas de volver a destacar, ya que interpretar a alguien como el Che, en mi opinión, supone un reto mayor y añadido a cualquier otro personaje. La gente tiene una idea en la cabeza (es un símbolo de la cultura pop), su imagen es conocida en el mundo entero, sus ideas propagadas a los cuatro vientos, y esto seguro resulta realmente complicado  en la construcción que ha realizado Del Toro.
Algo menos llamativa que la primera mitad (quizá el hecho de que los resultados de la campaña cubana sigan en la actualidad y todos los conozcamos, resulta crucial para este hecho) Che, Guerrilla completa una obra faraonica, que pondrá el listón muy alto a futuros films basados en la vida de Ernesto Che Guevara.
Nos vemos en el cine
Un abrazo

El luchador BY CH_

 

En la última gala de los Oscars, aún no puedo dar la razón a los académicos acerca de “Slumdog Millionare”  (pues no la he visto) y su supuesta superioridad en cuanto al resto de películas, pero si le puedo dar la razón a Sean Penn, la actuación de Mickey Rourke era la que se merecía el oscar. Puede que el resto de la película no haya acompañado a la candidatura de este resurgido actor, ya que es una película llana, bastante lineal y no presume de los habituales delirios a los que nos tiene acostumbrados el director Aronofsky. Puede que sea porque en esta ocasión ha dejado de lado la labor de guionista y por ello le ha salido su film más comercial en cuanto al gran público se refiere.

Randy "The Ram" Robinson (Mickey Rourke) es un luchador profesional de wrestling, ya retirado que, tras haber sido una estrella en la década de los ochenta, trata de continuar su carrera en el circuito independiente, combatiendo en cuadriláteros de tercera categoría. Cuando se da cuenta de que los brutales golpes que ha recibido a lo largo de su carrera le empiezan a pasar factura, Randy decide poner un poco de orden en su vida; intenta acercarse a la hija que abandonó, a la vez que trata de superar su soledad con el amor hacia Cassidy, una stripper (Marisa Tomei). (FILMAFFINITY)

La historia no es más, nos enseña la peor época de un luchador que 20 años atrás vivió una época gloriosa y que vive de ello gracias al recuerdo que despierta en los aficionados del wrestling. La presentación de este mundo es lo que más me ha llamado la atención, todos sabemos que es puro teatro, hasta el punto de que las peleas son coreografías revisadas de antemano y pactadas por los luchadores, normalmente, buenos amigos. También presenta el sórdido  mundo del dopaje entre estos personajes que viven de su cuerpo perfecto y que tan bien nos enseña como se debe mantener el director en el film. El guión cae en tópicos pero gracias a las magnificas interpretaciones de los actores y el buen hacer del director pueden pasar desapercibidos. Es realmente llamativa como se desarrolla la vida del protagonista, un perdedor que vive de su pasado, de la vieja gloria que fue tiempo atrás y que ni siquiera con eso le da para poder vivir. Rourke sabe de lo que trata la historia, a él mismo le pasó, fue un olvidado en el cine e incluso pasó por los rings para poder sentirse mejor consigo mismo pero no le ha ido mal del todo. Sin duda un film disfrutable, sencillo y con un personaje arrollador con un Mickey Rourke en estado de gracia.

Lo mejor: Sin lugar a dudas el peso del film lo lleva Rourke, pero está secundado por dos actrices increíbles, Marisa Tomei  y Evan Rachel Wood.

Lo peor: Por ponerle un pero, la sencillez y lo tópico de la historia.